En 1980, Robert Redford era ya una estrella consagrada. Descalzos por el parque, Dos hombres y un destino, El golpe, El gran Gatsby y Todos los hombres del presidente habían forjado una sólida carrera que le había convertido en uno de los intérpretes más deseados, tanto por productores/directores como por las masas, ascendido a los altares de galanes como Brando y Newman. A Redford, sin embargo, le faltaba algo: ponerse detrás de las cámaras. La excusa la encontró en una novela de Judith Guest que le recordó, por cómo se describían los problemas en el hogar, a su propia familia.

Los problemas que cuenta Ordinary people no son precisamente banales. La familia (papá, mamá y Conrad, hijo adolescente) vive marcada por una tragedia. Un hecho fatal (que no desvelaremos) en el que se vio involucrado Conrad; su sentimiento de culpa es tan abrumador que intentó suicidarse. Que no lo consiguiera no significa que ese sentimiento haya desaparecido: es un chico atormentado, angustiado, en perpetuo estado de furia y desasosiego. Vuelve al instituto, al equipo de natación, pero el peso de la culpa es casi insoportable. Conrad tiene el apoyo de papá, un hombre básicamente bueno y preocupado, y el del doctor Berger, pero no el de mamá, una harpía en toda regla que no le perdona lo ocurrido y parece incapaz de apreciar hasta qué punto sufre el chico. Mientras Conrad lucha por recuperar su vida, la familia camina hacia la desintegración.

Eligiendo un drama intenso y complejo, Redford demostró que cambiar el rol de actor por el de director no obedecía, precisamente, al capricho de una estrella aburrida. La densa novel de Guest obligó a un tratamiento de dos años y medio hasta convertirse en un guión pulido, obra y gracia del solvente Alvin Sargent. Sargent, que había ganado el Oscar por el libreto de Julia, repitió estatuilla con Ordinary people, merecida recompensa a tan ardua labor. No acabó aquí el reconocimiento de la Academia: generosa, bendijo a Redford, un novato, reconociéndole como mejor realizador, y consideró que su cinta había sido la mejor del año. Un botín que se completó con otro Oscar no menos merecido: el de mejor actor secundario, aunque su rol fuera principal, para Timothy Hutton.

La carrera de Hutton ha oscilado desde entonces entre lo frustrante y lo anodino pero, como le ocurrió a Redford, lo bordó con su primera película (contaba sólo con papeles en televisión). Tenía 20 años pero resultaba perfecto como adolescente, e impregnó a su interpretación de tal grado de veracidad (ha asegurado que no se sirvió de la muerte de su propio padre, ocurrida meses antes, pero quién sabe) que, si la película funciona, es en gran medida porque supo zambullirse con éxito en el complejo papel de un crío depresivo aplastado por la culpa. Después, lo dicho: sin noticias de Hutton, reciclado en actor insustancial.

El reparto, sólido, lo completan Donald Sutherland, impecable como el padre, y Mary Tyler Moore como la madre, en un tour de force, como les gusta a los ”entendidos”, que la obligó a dejar sus habituales papeles amables para reciclarse en una cabrona bastante desalmada. Nominación para ella, así como para Judd Hirsch, el médico.

Redford, sin haberse prodigado mucho (otras 6 cintas más en casi 30 años), no lo ha hecho mal cuando ha dirigido, aunque ha tendido a caer en lo ñoño (El río de la vida, El hombre que susurraba a los caballos); su gran excepción: Quiz Show, nominada a mejor película y mejor director, una delicia. Pero fue, quién lo iba a decir, en su estreno al otro lado de la cámara cuando ofreció mejores prestaciones. Demostró buen gusto al elegir el material, supo rodearse de buenos profesionales y sirvió una película de obligada visión; sin pirotecnias ni grandes alardes, pero con los pulmones suficientes para bucear en las honduras de los conflictos humanos.